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<< 課題曲3 インテルメッツォ/保科洋 前編(吹奏楽コンクール課題曲トランペット解説) | main | コンクールで良い賞をもらうために大切なこと 1 >>


課題曲3 インテルメッツォ/保科洋 後編(吹奏楽コンクール課題曲トランペット解説)




みなさんこんにちは!

只今、「吹奏楽コンクール課題曲トランペットパート解説2017」と題しまして記事を書いております。
今回の課題曲3後編で全曲の解説を書いたことになります。
ただ、このシリーズを始めたときにお伝えしましたが、課題曲解説と言っても、作品の具体的なアドバイスなどを掲載したわけではなく、もっと広い視野で書かせてもらいました。
ですので、課題曲に限らずどのような作品を演奏するときにも参考になる記事ですのでぜひ読んでみてください。

==============================

課題曲1「スケルツァンド」/江原大介 前編
 演奏者はツアーガイド/楽譜を読む、ということ(テンポ、リズム、音の高低)

課題曲1「スケルツァンド」/江原大介 後編
 合奏は演奏者全員の個性を持ち寄る場/音をブレンドする?

課題曲2「マーチ・シャイニング・ロード」/木内涼 前編
 パート譜について/行進曲という音楽について

課題曲2「マーチ・シャイニング・ロード」/木内涼 後編
 拍のウラから入るときの吹き方/テンポが走ってしまう原因/ユニゾンを合わせるために大切な3つのこと

課題曲3「インテルメッツォ」/保科洋 前編
 「うた」ってなんだろう/うたいかた

課題曲4 マーチ「春風の通り道」/西山友宏 前編
 音の推進力/音量バランスを整える

課題曲4 マーチ「春風の通り道」/西山友宏 後編
 アーティキュレーションの表現方法/強弱のつけかた

課題曲5 メタモルフォーゼ 〜吹奏楽のために〜/川合清裕 前編
 現代曲ってなんだろう/楽譜とのジレンマ(異質なところを見つけよう)

課題曲5 メタモルフォーゼ 〜吹奏楽のために〜/川合清裕 後編
 楽譜の「見た目」から得られる印象

==============================

それでは課題曲3 インテルメッツォ/保科洋 後編を始めます。


《イメージだけで演奏は大きく変わる》
レッスンでは基礎的な課題を出すことが多いです。生徒さんはそれぞれその楽譜を演奏できるように練習をされ、それを聴かせてもらいますが、たびたび気になるのが「これはただの基礎練習」というスタンスで淡々と演奏してしまっている場合が多いのです。

フィンガリングは正しく、テンポも安定していて、ミスもない。そう言った点では完成度は高く素晴らしいのですが、どこかで「これはただのフィンガリング練習/リップスラーの練習 etc.」と思っているのでは、と感じ、「音楽」に至っていない印象を受けます。

そこで、僕は生徒さんにこ伝えることがあります。

「もしこの(教本のシンプルな)メロディが、吹奏楽のパート譜だったとして、しかも”solo”と書かれていたらどうですか?」

そう伝えると、演奏前から表情や覚悟が変わり、大切に演奏するようになり、途端に「音楽」にレベルアップします。


これは決して「突然上手になった」のではありません。生徒さんのもともと持っている「音楽性」が演奏に反映されたのです。
イメージの持つ力というのは想像以上に強い、ということなんですね。

他にも僕は「ここがレッスン室ではなく、大ホールの舞台でリサイタルを開いているイメージをしてみましょう。満員の客席からみんながあなたの演奏を注目していますよ」とか「もしあなたの演奏をあなた自身が客席で聴いていたとして、どんな評価をしますか?どこを褒め、どんなことにアドバイスをしたいと思いますか?」と質問することもあります。

基礎練習や教本は、どうしても主観的になりすぎる傾向があります。そこで、「本番」とか「お客さん」「ステージ」というワードを投げかけることで、客観的なイメージを持つようになるのです。音楽は演奏を聴いてもらって始めて成立するものですから、それがたとえたった1小節のフィンガリング練習曲であっても「音楽」を感じていて欲しい、と僕は思っています。


《すべてのパートがひとつの作品を構成している》
吹奏楽やオーケストラで演奏する自分のパート譜に”solo”と書かれた箇所があると「ああ、この曲ソロがあるんだよなあ。ドキドキ」と期待と不安が生まれることでしょう。
では、スーザのマーチのトランペット譜のように最初から最後までほとんど裏打ちしかない楽譜の合奏のときはどうでしょうか。「これつまんないんだよねー」「裏打ちしかないから余裕〜」とか思ってしまいませんか?

ソロが重要で、ソロじゃないところは重要でない。そんなわけありませんよね。

ピアノを演奏していて、右手はメロディだから一生懸命で、左手は伴奏だからテキトーな状態で良い演奏などできるはずがありません。

すべてのパートはひとつの作品を構築している音であり、不要なパートなどない、というスタンスで演奏に臨むことが基本です。ソロであろうがメロディであろうが裏打ちであろうが全員が重要なポストに就いていると思ってください。


《テンポ変化》
この課題曲3はテンポの変化が激しいです。変化、というよりも自然に起こりうる音楽的緩急が具体的に指示されている、といったほうが良いかもしれません。

フレーズが変わるところでは若干のテンポ変化(=rit.などは「大切に場面を切り替えて欲しい」という作曲者の気持ちを感じます)があったり、音楽が盛り上がるところではテンポが積極的に前進するようになっています。

[自発的なテンポ]
ピッチについてはしばしば話題になりますが、テンポに関しても誰かに合わせようとするのは合奏として手遅れになります。
テンポというのは、誰かが示したものに従っていくものではありませんし、楽譜に書かれているテンポ指示(メトロノームのクリック音)に従うだけなのもよくありません。

テンポは、まずそれぞれの奏者が自発的に決めておき、演奏するものです。

楽譜の指示やメトロノームは、あくまでも作曲者が想定していたテンポであり、寸分狂わず演奏しなければならない絶対的な存在ではありません。ですので、否定しない範囲で自分の感じるテンポを生み出すことが大切です。

同様に、テンポが変化するところも「rit.って書いてあるから遅くする」のではなく、その場面にrit.があることで作品がどのような印象を持つかをイメージし、演奏することが大切なのです。

なんでもそうですが「書いてあるから」「指示されたから」のような受け身で演奏をするのはよくありません。

音楽の解釈には「間違い」というものはありませんから、まずは自分のイメージで思い切り演奏して、そこから周りの奏者や指揮者の提案に擦り合わせていくように心がけてください。


《指揮者との関係》
指揮者って、なんだか絶対権力者みたいなイメージを持ちやすいですね。多分ですが、部活動などでは音楽の先生や音楽家の講師が指揮をすることが多いので、立場的に逆らえないように感じるからかもしれません。

しかし、指揮者というのは独裁者ではありません。
演奏者は指揮者の奴隷ではありません。

言うならば指揮者とは「現場監督」「プロデューサー」といった感じでしょうか。

指揮者は何もない「ゼロ」の状態から作品を作り上げていくのではありません。

指揮者はそれぞれの奏者が持ち寄ったイメージや表現を尊重しつつ、指揮者自身の中にある「完成形」に近づけていく仕事をする人です。ですから指揮者も、奏者がどんな演奏をしてくれるのか楽しみにしているのです。

しかし、奏者それぞれが好き勝手な解釈で演奏しているだけでは作品は完成しません。そこで指揮者が「方向性」を示し、「(今回は)こういった感じに作り上げます!」と、その名の通り「指揮」するのです。

ですから、例えばあなたのパートにfでメロディがあり、カッコよく激しい演奏がこの場面にはふさわしいと合奏で演奏したところ、指揮者としてはその場面は堂々と落ち着いたイメージを持っていたら、きっとあなたに「もっと堂々とした豊かなサウンドで」と提案すると思います。

しかしこれは、指揮者があなたの演奏を否定したわけではありません。
指揮者のイメージする作品の完成図と今回はたまたま違っただけです。

指揮者の言葉を補足するならこのようになると思います。

「(そういう発想もあるし、それはそれで悪くないけれど、指揮者の持つイメージとしては)もっと堂々と豊かなサウンドで(演奏したものを求めているので、今回はその解釈とは違う表現をお願いします)」

こんな意味合いが含まれている、と考えてください。

指摘されるということは、それだけ表現力が豊かで強い発信力を持っている(指揮者に届いている)ということなので否定されたと落ち込む必要はありません。

同じ場面でもいくつもの表現方法やイメージがあるのは、言って見ればカードをいくつも持っているようなものです。
その差し出したカードが偶然指揮者の求めていたものと違っただけで、そのカードがダメなわけではありません。


[過保護な指揮者は独裁者になってしまう]
指揮者と奏者の関係を解説しましたが、、現実的には指揮者が全部やろうとしている姿を多々目撃することがあります。

奏者たちが自発的に音楽を作り上げる力や方法を持ち合わせていなかったり、その力が弱かったりすると、どうしても指揮者は過保護になりがちて、いつのまにか指揮者が全部面倒を見るスタイルで合奏を進める習慣が身についてしまったのでは、と考えます。

こうなってしまうと指揮者は、まず奏者ひとりひとりの面倒を隅々まで見てあげなければなりません。それだけなら指揮者がひとりで苦労するだけなのでまだ良いのですが、奏者どうしの関係性が弱くなってしまうので、アンサンブルする力が育たないのです。これは合奏としては致命傷です。

結果、「奏者ひとりひとり」対「1人の指揮者」の構図が生まれてしまい、(不本意ながら)指揮者が独裁的存在になってしまうのです。

指導する側もあまり過保護になりすぎず、奏者の意識を育てられるレッスンができると、奏者同士の関係性も深まり、そのメンバーだからできる音楽が生まれます。


ということで、今回は合奏に参加するまでにしておきたいこと、そして合奏での指揮者との関係について書きました。
だれかと一緒に演奏する機会がある方はぜひ参考にしてください!

それでは、今回で吹奏楽コンクール課題曲トランペット解説2017を終了致します。
作品に対しての直接的な解説はほぼ皆無でしたが、掲載したすべての内容は演奏する上で必要不可欠で意味のあるものと思っています。ぜひみなさんそれぞれの立場で参考にしていただければ幸いです。

次回からも、もう少しだけ合奏やコンクール、本番などに役立つ内容を書いていきますので、どうぞよろしくお願いします。
また来週!


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at 05:39, 荻原明(おぎわらあきら), 吹奏楽コンクール課題曲2017

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