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吹奏楽コンクール課題曲2016トランペット解説【1.マーチ・スカイブルー・ドリーム / 矢藤学】前編


















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金管アンサンブル参加者募集 二重奏参加者募集




課題曲に関する進め方やお願いごとなどがございます。こちらの記事もご覧下さい「吹奏楽コンクール課題曲トランペット解説2016【はじめに】」



みなさんこんにちは!

只今、「吹奏楽コンクール課題曲トランペット解説2016」開催中です。
今週から課題曲1について解説します。これまで課題曲4,5,3と書いてまいりましたので、残すところあと1曲です。課題曲2を演奏される方、もう少々お待ちくださいね。ただ、演奏されない曲の中にも、様々な角度から書いておりますので、かなり参考になることがあるはずです、ぜひ一度目を通してみてください。

これまで書いてきた課題曲解説の本文をご覧になりたい方は以下をクリックしてください。

課題曲4.マーチ「クローバー・グラウンド」前編
課題曲4.マーチ「クローバー・グラウンド」後編
課題曲5.焔 前編
課題曲5.焔 後編
課題曲3.ある英雄の記憶 〜「虹の国と氷の国」より 前編
課題曲3.ある英雄の記憶 〜「虹の国と氷の国」より 後編



「まってました!」と思った方、たぶん多いと思います。アンケートをとったわけではありませんが、きっと今年のコンクールのほとんどの団体はこの作品を演奏されるのではないでしょうか(消去法で)。

さて、ほかの作品もそうでしたが、まずはスコアに書いてある作曲者本人によるコメントの中からいくつかピックアップしてみたいと思います。


《発想記号に含まれる意味》
作曲者は「テンポは終始一貫した設定であること」とコメントしているのですが、その先にこう書かれています。

「発想記号([中略]Animato Grandioso)は曲想のためのもので、速度に関する意図はありません。」

これには少々驚きました。というのも「Animato」という発想記号は、「生き生きと速く、元気に速く」という意味で、一般的にこの記号が出てきたら、テンポが速くなります。ですから、このコメントを読まずに楽譜だけを見た人の多くは、終始一貫したテンポで演奏せよという作曲者の指示はどこからも得ることができず、様々な解釈で演奏することになるでしょう。
ですからこの場合、もしテンポ変化をしてほしくないと思うのであればAnimato以外の楽語を用いるとか、メトロノーム記号を書くなど「譜面上だけで演奏する人全員が同じように理解できる書き方」をすべきだと思います。

特にこの作品では一番盛り上がるクライマックス(練習番号H)にAnimatoが書かれているので、テンポを上げて演奏しても何ら違和感がありませんし、そのほうが盛り上がるので、そう演奏してしまう団体がいるのではないかと思います。しかし、コンクールの場でテンポを速くしてしまったことで審査員に「コメントを読んでないのかね?」と、減点対象になるのだとしたら、その団体はとてもかわいそうです。

作曲者は通常、楽譜だけで演奏者に意思(意図)を伝えるよう心がけなくてはならないし、そのために楽譜があります。
現代音楽のように特殊な奏法や、一般的ではない楽譜の書き方をしていたり、演奏(楽器)以外に必要なものがあり、それをどのように使用するのかなどに関しては別に書き込んだ指示書があっても仕方ありませんが、この作品は普通の吹奏楽編成の楽曲であり、普通の(コンサート)マーチであり、ましてや「課題曲」なのですから、徹底して欲しいと感じました。

どうあれ、作曲者は「テンポは一定」と(わかりにくい場所に)書いてあるので、コンクールに限りそれを遵守したほうが良さそうです。


《演奏者任せの吹奏楽譜は本来必要のない一手間がかかる》
そしてコメントの後半にこう書かれています。

『…「場面ごとに表情をつけること」です。楽譜に書かれていない「デュナーミク」「スタッカート」「テヌート」「アクセント」など、演奏をする上で自然に発声する表現を大切にしてください。むしろそれらを奏者に託すため、楽譜には最小限のことしか書いていません。」

おっしゃることはとてもよくわかります。教育的配慮も含まれているかもしれません。ちなみに「デュナーミク(ドイツ語)」はこのブログでは「ダイナミクス(英語)」と書いています。fやpといった音量変化、強弱のことです。

このコメントを見た瞬間、課題曲4のコメントを思い出しました。今回の課題曲解説でも課題曲4についてはすでに書いているので、詳しくはそちらをご覧頂ければと思いますが、ソロの楽譜ならまだしも、大勢で演奏をする吹奏楽譜でアーティキュレーションの丸投げはいかがなものか、と思うのです。

この作品はマーチですし、とてもシンプルなメロディで、構成も明確です。ですので確かに多くの奏者が統一した「一般的な表現」になるとは思います。

ただ、吹奏楽は数十人でひとつの作品を作り上げるのですから、最初の段階で各奏者の解釈がバラバラだと、本来は必要でない「一手間」が生まれてしまうのです。それが、

「指揮者があらかじめどのように吹くのかを決めて指示をしておく」

ということ。本来このアクションは必要ないものです。楽譜にさえ書いておけば、各奏者は譜読みの段階でほぼ同じ見解、方向性を持つことができるわけで、スタッカートが書いてある音符に対してわざわざテヌートで表現しようとする可能性はとても低いはずです。とてもキレのあるスタッカートを演奏するか、優しく弾むスタッカートをするかは奏者によって異なる可能性はありますが、それでも奏者全員「ここはスタッカートだ」と認識しているだけで、向いている方向は同じになりますから、そういった状態で指揮者が、

「この場所のスタッカートはこのように演奏しましょう」と決定することで、音楽がまとまっていくわけです。これが通常(理想)の合奏です。

しかし、アーティキュレーションがまったく記されていない楽譜の場合、そうはいきません。解釈は無限に広がってしまうし、それを否定することもできません。いわば奏者によって向いている方向がバラバラになってしまうのです。もっと良くないのが経験年数の少ない奏者が多い部活動の場合「アーティキュレーションについて何の意識も持たない」という奏者が生まれてしまう可能性があることです。ただ音符をリズムに合わせて並べるだけだと、その音楽の持っている性質がまるで発揮されない演奏になるかもしれません。

したがって、効率よく合奏をしたいのであれば、パート譜を配る時に「この場面はスタッカートです」「ここはテヌートです」のような指示をするという手間がかかり、結局、作曲者が最初から書き込んでおけばよかったのでは?ということになるのです。

本来合奏は各奏者が(楽譜に書かれていることをしっかりと)作り上げてきた音楽を尊重しつつ、「方向性を定めて作品を仕上げる」場であり、楽譜に書かれていないことをひとつひとつ指示したり確認したりする時間ではありませんし、そこに時間をかけることは非常にもったいと思います。時間がとても限られている部活動であればなおのこと、ですよね。

ですから、少し話は違いますが、合奏でひとりの奏者を捕まえて「テンポ!(指揮棒で譜面台バシバシ叩く)」とか「ピッチ悪い!(チューナーで周波数を確認する)」とか、本当はそういうことをする場面でもありません。理想を言えば合奏までに徹底的にそれを作り上げていくことが大切なのです。こういうの、とっても効率悪いです。

課題曲4もそうでしたが、作曲された方は職業音楽家ではないようですから、きっとご自身が経験されてきたこれまでの「音楽作り」のみから生まれた独特な楽譜の書き方や解釈になってしまったのかもしれません。課題曲としてはいかがなものでしょうか。


《効率の良い練習とは》
効率的の良い練習とはどのようなものか、僕のイメージする理想的な楽曲完成までの進め方を書いてみます。

[個人練習:吹けないところを吹けるようにすることが先]
個人練習というと、楽譜を「アタマから終わりまでなんとなく吹いている」方がとても多いです。もちろん、楽譜をもらった直後に一回通すのは良いと思います。それも目的意識があれば、ですが。

ある程度の経験年数がある人は実際に音を出さなくても楽譜を見ただけで「ここは吹けそうだ」とわかると思います。そういったところは後回しにして、ここは時間をかけないと吹けないだろうな、というところだけをピックアップしておきます。大きな作品であれば吹けない箇所に鉛筆で薄く印をつけておいてもいいかもしれませんね(あとで簡単に消せる程度)。

吹けないところが出てきたら、まず「なぜそこが難しいのか」原因を考えます。フィンガリング(運指)が難しいのか、リズムが理解できていないのか、音が取りにくいのか、楽譜そのものが読みにくい(書き方が悪い)のか、など。

原因がわかったら、今度はそれを解決するための方法を模索します。決してやってほしくないのが、難しい箇所を何万回も吹いているうちに「惰性で吹けるようになった」という状態です。この方法は、違う難しい箇所や作品に遭遇した時にまた同じように何万回も吹かなければならなくなる応用がきかない練習です。時間と労力ばかりかかってしまい、しかも成長しません。

難しく感じる場所には必ず理由があるので、その原因を見つけてください。

例えばフィンガリングが難しいのであれば、まずはその箇所の調が何かを探ってください。一概に○調と言い切れない場合や何調かわかりにくい場合もありますが、わかる範囲で箇所の音階を理解し、吹けるようにします(できれば暗譜で音階を行ったり来たり、スタート地点がどこであってもスラスラ吹けるまでにしておく)。
その後、難しいと思われる(指がひっかかってしまう)最小限のポイントを見つけてください。多分、音2つか3つだけがそのメロディを吹きにくくしていると思います。その最小限の音の並びを、リズムやテンポを変えて徹底的に練習をします。

練習方法については過去の記事「フィンガリング練習」を読んでみてください。


また、リズムや音が取りにくい場合は、わざわざ楽器を使わなくてもいいですよね。ピアノを使って声に出して歌えるようにするとか、そういったアプローチから入っていくほうが効率的です。

そのような練習が先決です。


[パート練習:目的や目標を決めてから行う]
パート練習はきっとどこの団体でもやっていることでしょう。
しかし、惰性で行ってはいけません。大切なのは目的、目標です。

楽譜を最初から最後まで通して「…うん、いいんじゃない(よくわかんないけど)」みたいな展開にだけはなりたくないのです。パート練習という時間をただ過ごせて満足、となってしまうのは非常によくありません。

こうなってしまう一番の原因は「目的や目標設定がはっきりしていないから」です。パート練習は何を目的とし、どんな結果を求めて行うのかをそのつどリーダーさんや先輩などが決め、それができるようになる(全員が理解できる)まで行います。したがって、その目標に到達できればすぐに終えてしまっても良いと思うのです(他に目標がなければ)。逆に解決しない場合はいつまでもパート全員で悩まずに、誰のどんなところを解決すべきかを具体的にし、「どうしたらそれが解決できるのか」を課題に個人練習に立ち返るなどして、また後日パートで集まる日程を決めるのが良いと思います。

そして、パート練習の時にはメトロノームや、パートリーダーさんのような立場の人が床だのイスだの机だのに打楽器のバチでバンバン叩いてテンポを取ることは決してやってはいけません。手拍子も必要ありません。そんなことをするのでしたら、一緒に吹いてください。

室内楽をイメージしてもらえればわかると思いますが、各自がしっかりしたテンポ感を持っていさえいれば指揮者などいなくても意思疎通はすぐにできますから、テンポは乱れません。逆にテンポが乱れてしまった場合、その原因を見つけて考え、そして解決することで、各奏者の演奏レベルも上がります。メトロノームのカチカチ音に合わせて音楽を作るというのは、フレーズ感や音の処理に対して意識を持てずに機械的で雑な演奏になる原因のひとつです。何よりも各奏者がメトロノームと一対一の関係に集中してしまい、隣の人の演奏にまったく関心を持てなくなってしまいます。これではアンサンブル力を培うことはできません。メトロノームを音楽を司る神様のように崇めるのはやめましょう。メトロノームというのは「おおよそのテンポがどのくらいなのか」を瞬時に「確認する」ただの道具であり、演奏しながら使うものではありません。

むしろ使わないほうが自分の中のテンポ感培われて、良くなります。


[セクション練習:それよりも曲に合わせた様々な編成で合わせてみましょう]
パート練習以外に「セクション練習」をしているところも多いと思います。要するに金管楽器全員での練習です。それはそれで非常に中身のある練習ではありますが、意外にも金管全員(だけ)で合わせて意味のある箇所というのは結構限られているものです。
ですので、なんとなく「今日はセクション練習しよう」というのではなくて、「練習番号○を完成させるためにセクション練習をしよう」といった具体的な目標を持った上で集合することが大切です。パート練習と同じ。当然ながら、セクション練習を行うまでに個人の譜読み、パートでの練習をしっかりを築いた上でないと意味がありません。そしてこの場合もメトロノームに合わせるようなことはしてはいけません。金管アンサンブル(10人以上でも)指揮者がなくても曲を完成させることはできるのです。もちろん、指導してくださる先生がいる場合は別です。

そして、もっと大切なのが、「場面ごとに関係の強い楽器との練習」です。例えばある場面でトランペットとクラリネット、フルートが同じメロディを担当しているのであれば、そのメンバーで合わせをしてみるとか、トランペット3rdとホルン、テナーサックスが関連性の高いことをしているのであればそのメンバーだけで合わせるなどです。トランペットパートが演奏すると、それに呼応してトロンボーンが動きだす、なんて場面があればそれもチェックしておきたいですよね。

しかし、これをしている団体が結構少ないんです。多分、スケジュールを組むのが大変だからだと思います(先生が)。しかし、工夫していけばそんな事務作業はいくらでも解決できますから、「面倒だからパート練習、セクション練習、合奏」みたいな単純な区分けだけで毎日の練習をしてほしくないと思っています。

結果的に、パートやセクションで行うべき練習を合奏でやってしまっているところが多いです。しかしこれを合奏でしてしまことで該当しない奏者がとても無駄な時間を過ごすことになってしまいます。身に覚えありませんか?合奏中ずーっと誰かが捕まっていて、他の人が何もすることなくボーっと座っているだけの無駄な時間。個人練習でもしていたほうがよっぽど意味がありますよね。
ですから合奏を進める方も、もしセクションに問題があるな、とわかったら課題だけ出しておき、合奏ではひとまず置いておくなどの工夫や割り切りが大切だと思います。
指揮者がなんでもかんでも合奏で片付けてしまうと、奏者は「合奏でなんとかしてくれる」と人任せになりがちで、自主性がどんどん失われてしまいます。

ぜひ合奏では「それぞれが持ち寄った完成品」をひとつの素晴らしい大きな作品として磨き上げていく時間であるよう、心がけてください。


これらの話はもちろん理想です。それぞれの団体の様々な事情によってはこのようにはできないかもしれません。ともかくどうあれ「効率良い練習」を毎日毎回心がけていくことが、結果的に完成度の高い演奏になりますので、工夫して実践してみてください。

ということで今回はここまでです。
来週は作品に沿って解説をしていきます。この曲を演奏されない方も、トランペットがよく直面するリズムやフレーズを練習するための手順を解説なども掲載しますので、ぜひ引き続きご覧ください。

それではまた来週!



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at 06:02, 荻原明(おぎわらあきら), 吹奏楽コンクール課題曲2016

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