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吹奏楽コンクール課題曲2016トランペット解説【4.マーチ「クローバー グラウンド」 / 鹿島康奨】後編


















みなさんこんにちは!

只今「吹奏楽コンクール課題曲トランペットパート解説2016」開催中です。今週は課題曲4.マーチ「クローバー グラウンド」 の後編。先週の前編では、この作品の全体像からいろいろと話を発展させて書きましたので、今回はできるだけ直接的に使えるアドバイスを書こうと思います(前編はこちらからご覧ください)。

何度も言っていますが、課題曲と無関係のトランペット吹きの方が退屈してしまうのはイヤなので、いろいろ広範囲に話をしていきますね。


【冒頭】
冒頭のメロディは、五線の中に収まった狭い音域の中で動いており、非常に吹きやすいメロディです。
しかし、言い換えるならこのメロディ、音程の起伏がないので、ただ吹くだけでは聴かせどころがありません。往々にして吹きやすすぎるメロディは、気持ちが緩んでしまいがちで、緊張感のない演奏、締まりのない演奏になってしまいがちです。

このようなメロディを印象的に演奏するのはとても難しいと思います。「え?それメロディだったの?」「どこがメロディなの?」と言われないように、「トランペットとトロンボーンでメロディ吹いていますよー!」と、主張して良いと思います。強弱記号は単なるf(フォルテ)ではありますが、音形も音量も音圧も、かなり出したほうが良いでしょう。長い音で抜いてしまうと、バランスの悪い演奏になってしまいます。バンド全体の音が聴こえる範囲で、しっかりと主役である自覚をして主張した演奏を心がけてください。
特に、3小節目でメロディがガクンと下がるので、木管の細かな動きに消されてしまわないように注意しましょう。

また、この作品全体に言えることは、3パートあるトランペットの中でのユニゾン(同じ音で吹いているところ)になる瞬間がとても多いのです。しかし、フレーズ間すべてがユニゾンではなく、メロディの途中で突然違う音になるので、スコアを見るなりして、どこがどうなっているのかよく把握しておくことをおすすめします。
また、冒頭もそうなのですが1,2ndがユニゾンで3rdが違う音という3パートで2音の場所が結果的に多くなりますから、例えばここでは3rdは相当しっかり音を出さないとバランスが悪くなります。


【練習番号B 5小節目アウフタクト】
さて、前回の話題の中心であった部分のひとつがここです。木管楽器にはメロディの中にスラーが細かく付いているのに、トランペットには何も書かれていません。これが作曲者の言う「研究」箇所です。なぜトランペットにはフレージング(作者は「アーティキュレーション」と呼んでいる)がまったく書いていないのでしょうか。研究してみましょう。

ここで僕なりの2通りの考え方と、演奏方法を挙げてみます。

[方法1:輪郭担当→スタッカートで演奏]

(以下、妄想)
木管楽器の暖かく穏やかなサウンドで軽やかにメロディを演奏してほしいのだが(作品全体の印象がそうありたい)、それだけだと音量的にちょっと弱いと考えた作曲者さんは、トランペットにもメロディを演奏させようと音符を書きました。
しかし、トランペットのことだ。きっと「わーいメロディだメロディだー!」と、ここぞとばかりに吹きまくるに違いない。ここは木管に花を持たせたいのだ!うーん、どうしよう。そうだ。トランペットはメロディではあるけれど全く違う立場にしよう。

「トランペットは音の輪郭だけ作ってくれればそれで良い(でしゃばらないでほしい)」
(以上、妄想)

…いかがでしょう、僕の妄想。

もし、トランペットにこういった立場で演奏して欲しいのだったらば(そういう解釈で行こうと考えるならば)、音の輪郭だけが聴こえるように、歯切れの良いスタッカートを中心に演奏してみてはいかがでしょうか。

シロフォンみたいな存在・効果と考えればわかりやすいでしょうか。
これが考え方のひとつです。


[方法2:スラーが書いていないのは気のせいだと思い込む→木管のフレージングに極力似せる、曖昧にする]

スラーが書いていないので木管と同じフレージングにするわけにはいきませんから、タンギング(発音)や音の長さを駆使して、できるだけ木管楽器と似たフレージングで吹いてみてはいかがでしょうか。
今回の参考演奏CDは、そんな風に吹いているように聴こえます。軽く軽く、木管の邪魔をしないように。
あ、コルネットみたいな吹き方をしているように聴こえますね。

どのみち、トランペットが前面に来てほしくはなさそうなので、何らかの方法を取らねばならないと思われます。
前回の記事でも書いたように、トランペットにどのような存在で、どのように吹いたらいいのかを、楽譜を渡すと同時に伝えることが一番効率良いと思います。指揮者さん、頑張って研究してください。

ただし、時間的にもテクニック的にも余裕があるパート、団体ならば、合奏の場でいろいろと研究してみるのは楽しいし、良い経験かもしれません。
ただし、これをするならば、トランペットパートが指示された通りの表現をパッパッと変えられることが前提になります。


【練習番号C】
CからはいわゆるBメロです。課題曲マーチのBメロはトロンボーンなど中低音域が担当すると決まっていますが(え、特に決まってない?)、しかしだからと言って、それ以外の人たちのほとんどが、練習番号Cからトランペットと同じ、いわゆる「裏打ちのリズム」なのです。いくらなんでも多すぎでしょう。
ということで、ここも「形だけ」出ればそれで良いのだと思います。裏打ちやかましすぎです。

ただし、、練習番号Cの2小節目、4小節目の最後の音にトランペットだけアクセントが書いてあります(スネアドラムにもあります)。このアクセントをどう考えるのか、これも研究が必要ですね。

アクセントというのは「音を強く吹く」とか「タンギングを強くする」といった方法を優先して考えてしまうと、表現としてうまくいきません。アクセントに限らず、テヌートやスタッカートといった「アーティキュレーション」は、「なぜそこにその記号が付いているのか」「その記号が付くことで、どんな演奏になるのか(どんな印象を与えることができるのか)」を作曲家の立場になってイメージし、それを実現させるための奏法を考える、という順序が望ましいです。

ですから「アクセント記号が付いているからアクセントしましたが何か?」みたいにならないようにしたいですね。

とは言ったものの、この場面、フレーズの最後の音にアクセントを付けた理由や、その結果生まれてくる音楽が、僕のつたない音楽的感性ではどうしても「ダサい」ものにしかならず、正直言うとどうして良いものかよくわかりません。

「弾ける元気!」

みたいな感じ?
そんなダサいイメージしか持てないんですけど、どうしましょう。


先程のトランペットにフレージングが書かれていないのと逆で、今度は木管楽器には、アクセントがないんですよ。なんで?もしこの作品のこの部分が「節目」のような場所にしたいと考えるのならば、すべてのパートにアクセントを書くはずですよね。でもトランペットとスネアにしか書いていない。それはいったい何を求めているのでしょうか。研究のしがいがありますね。


【練習番号E】
さて、ここも練習番号Bの5小節目からと同じく、メロディを担当しているのですが木管のようにスラーがまったく付いていません。あげく、吹き始めは木管楽器はfなのに対してトランペットはmfです。明らかに、

「トランペットだけでメロディ吹いてるんじゃないから、でしゃばりすぎないで!」

ですよね。トランペット、あまり好きじゃないんですかね。

で、練習番号Eの4小節目にクレッシェンドがあり、5小節目でついに木管楽器と同等のfが書いてあるのです(やった!)。そしてこのクレッシェンド、他のどのパートにも書いてありません(打楽器にはありますが、打楽器はそもそもmpからmfへのクレッシェンド)。ということは、バンド全体のボリュームとかではなく、トランペットに特定の何かを求めているのですね。

「トランペット、ここから出てきていーよ」

そんな感じでしょうか。お言葉に甘えてたくさん吹いても良いかもしれませんね。


【練習番号F】
ここは、バンド全体が3つの動きに分担されて、順番に出てます。トランペットは1拍目から登場し、その後ホルンとサックスが3拍目から登場。そして中低音楽器が次の小節の1拍目に登場します。




最初に出てきたトランペットには3拍目で少し音量が落ちるように指示があります(木管のトリルにはデクレッシェンドなし!)。これはきっと、他のメロディを邪魔しないようにする配慮的な記号と考えられます。



「ラッパ、ずっと音を張っていると他のパートが聴こえないから、ちょっと譲ってね(音量で)」

今までの流れからすると、こんな感じだと思うのですが、もしかすると立体感を構築するためなのでしょうか。

なんにせよ、ここも楽器によって書いてあったり書いてなかったり(サックス、トランペット、ホルンのみ書いてある)と「なぜ?」が生まれてきてしまいます。

これは「練習番号 I」も同じです。うーん、どうしたものでしょかね。
やはり指揮者がどのように作品を作っていくかを具体的に決めておくことが大切です。


【練習番号J 1小節前】
Jからテンポが落ちます。そのJのテンポを決める力を持っているのが、トランペットとトロンボーンとスネアドラムです。

指揮者がいくら頑張ってブンブン振っても、トランペットなどがJの1小節前の2拍目にある3連符をどう吹くかで、その先のテンポが決定します。

この小節は「rit.」と書いてはいるものの、だんだん遅くするよりも、この小節2拍目から練習番号Jのテンポで吹いてしまったほうが全体が安定するでしょう。練習番号Jからは、音楽がそもそも持っている「重さ」があるので、J1小節前の3連符をあまりに重く吹いてしまうと、その先延々と伴奏形を吹かなければならないトランペット全員が痛い思いをしてしまいますから、テンポが落ちても「軽快さ」「推進力」を失わないように歌い続けることが大切です。

合奏というのはこの場面のように、指揮者がどんなに頑張っても奏者が決定権を持っていることがとても多いです。だからこそ、奏者は指揮者のシモベになってはならないのです。しかし、指揮者は敵ではありません。音楽を作るプロデューサーのような立場なのですから、逆らうのではなく、できる限り指揮者がどんな音楽を作ろうとしているのかを感じ、汲み取るように心がけることが奏者の仕事のひとつです。

それにしても練習番号Jからはトランペット、無駄にキツいですね。ほかのパートで同じことをしているのはスネアドラムだけです。できるだけ形だけ出して、ここで疲れてしまわないように対策をとる必要がありそうです。

ちょっと休ませてくれればいいのに。この後自由曲吹くんだし。ねえ。


【練習番号L 1小節前】
この程度の短めの作品の場合だととてもわかりやすいのですが、自分のパート譜を見て、一番強い強弱記号がどこに書いてあるかを事前に確認し、作品の最も盛り上がるところを理解しておくことが大切です。
それがわからないと、いちいちfが出てくるたびに一生懸命吹きすぎて、結局作品のピークが聴いている人に理解してもらえない、という結果を招いてしまいます。

で、この作品のピークはどこかというと、1つ目がここなんですね。初めてトランペットにffが現れます(一瞬)。その拍の中でppまでデクレッシェンドするのですが。

え?なんだったんでしょうこれ。

これはピークではないのでしょうかね。ピークではないですよね。。。おかしいな。
そこまで極端にするのはなぜなのでしょうか。指揮者さん、どう考えますか?


【練習番号L5小節目】
ここからの動き(メロディではない)、休符とタイのつき方をよく見てください。104小節目から105小節目の2拍目までがひとつのフレーズですね。そして105小節目から107小節目の2拍目までが次のフレーズです。
しかし、メロディや他のパートはそういうことにはなっていないので、どれだけそのフレーズ感がこの部分に意味を持たせられるかはわかりませんが、楽譜はそう書いてあるのでそうなのでしょう。


【練習番号M 3小節目アウフタクト】
ここでffがまた出てきました。この作品は、クライマックスがピークということなのでしょう。トランペットが全パートユニゾンであることから、きっと相当存在感を求めているのだと思います(フルート、オーボエなどが同じことをしていますが、ここもやはり木管だけスラーが付いていることにも再度注目しましょう)。
本来ならば3パートをユニゾンにするくらいならばオクターブで重ねたほうが聴こえる威力は増すと思うのですが、それはさておきユニゾンなので吹き方の統一はこころがけたいものです。
ピッチのことばかり考えていても統一感は得られませんから、「音質(音色)」「音のスピード」にも充分意識を向けるようにしてください。

また、最後の小節もやはりユニゾンですが、Des音(運指2,3番)は若干鳴りにくい音です。気合いを入れすぎてピッチが悪くなったり、音がひっくり返らないように注意しましょう。そもそもバンド全員が同じことをしているので、音量はそれほど必要なく、音のツボに当てて美しく端正に吹くコントロールが一番大切です。


さて、終始グチみたいな書き方をしてしまいましたが、スコアを読めば読むほど不可解な点が多くて、作曲者がどんな考えて書いたのかを読み取ることが正直できません(可能性や妄想はたくさん出てきますが)。これは課題曲ですから、あまりに逸脱した解釈や、勝手な改変、編曲をするわけにもいかず、どうすれば、という悩みばかりが大きくなります。


最近はパソコンで作曲、楽譜作成をすることが当たり前になり、誰でも気軽に大編成の作品を作ることが可能になりました。
僕も楽譜浄書や編曲をするのでよくわかるのですが、コンピューターで音楽を作る…中でも「人間が演奏するための楽譜」をパソコンで作っていると、パソコンで再生して音を確認するその機能にはあまりこだわりがない場合が多いんですね。「聴ければいい」くらいしか求めていないので。

しかし、パソコンで再生すると、非常にチープなのですが、クレッシェンドとか強弱記号とか、ちょっとしたテンポチェンジには一応反応してくれるんですね。

しかし、もちろん融通がききませんから、やってほしい表現とは大きくはずれた再生を大概はしてくださるので、本当に割り切って「これはパソコンだから実際の演奏とは違うんだ違うんだ違うんだ…」と、惑わされず楽譜を書き続けていられれば良いのですが、パソコンのチープな再生を自分の(人間が演奏する)イメージに無理矢理近づけようとすると、独特な楽譜の書き方になってしまうことがあるのです。

実は僕、この作品のスコアを見たとき、一番最初に感じたのはそれでした。

このスコア、パソコンで再生すると、それなりに整った演奏をするんじゃないかなあ、と。
それがこのトランペットにフレージングがまったく書いていなかったり、練習番号Fの細かな強弱指示だったり(ここ、fpクレッシェンドじゃダメ?と思ったのですが、fpってパソコンであまり上手に再生されないんです)、打楽器が全般的に音量を抑え気味に書いていたり(木管楽器と比較するとちょうど1レベルずつ下がっているところが多い)、ユニゾンパートが多ければ多いほど音量が大きくなったり。
あと、パソコンで再生する打楽器って、うるさいのが多いんですよね。

この作曲家さんのプロフィールにコンピューター・ミュージックと書いてありますから、もしかしたら作っていくうちに生楽器(人間)による演奏がどんな結果になるのかと、パソコンが再生する音の聞こえ方の境界線が曖昧になってしまったのかな?とも思いました。

それと、前回の記事で書いた、作曲家さんの所属しているバンドのそれぞれのパートの特徴や、曲作りの順序、これまでに経験してきた部活などの経験などから作られているのでは、という憶測も。


この作品は「楽譜通りに吹く」ことで効果的な表現でできるとは思えないので、常に作曲者が本当はどんな完成形をイメージしているのかを奏者がそれぞれ感じ、何よりも指揮者がそれを強く持ち、その完成形が、なぜこのような楽譜の書き方になったのかを考える、という特殊な順番で音楽作りをするのが良いと思います。

ということで、この作品を演奏される場合は、結構苦労する点が多いのではないか、という正直な意見を書かせてもらいました。
悪意があるわけでは決してございませんので、ご了承ください。

最初の課題曲解説は4.マーチ「クローバー グラウンド」でした。
次週からは違う作品について書いていきます。どの作品を取り上げるかは、来週までのお楽しみということで。

それではまた来週!


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at 07:01, 荻原明(おぎわらあきら), 吹奏楽コンクール課題曲2016

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