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音楽的なチューニングをするために大切なこと 4(チューナーの正しい使い方)

 >> 初めてこちらのブログにいらっしゃった方、最初にこちらをお読み下さい

みなさんこんにちは!

先日「note」というサービスに登録しました。文字や映像などを掲載できるブログのようなものですが、「ラッパの吹き方」を発展させたより核心に迫る内容をこちらで展開していく予定です。詳しくは具体的な方針が固まってからお伝えすることになりますが、通常のブログと違い、フォローしていただくことでコメントを残せたり読める記事が増えることがあります。
登録はすぐにできますので、お手数ですがよろしければぜひフォローをお願いします!
"note"のラッパの吹き方 Ver.2.0はこちら

さて、地域によって開催日が全然違うと思いますが、全国的にはコンクールシーズン到来って感じでしょうか。
毎回ですいませんが、課題曲に関する記事一覧を以下に掲載していますので、ぜひ読んでみてください。課題曲を演奏しない方も参考になる内容ばかりです。

==============================
吹奏楽コンクール課題曲トランペットパート解説2017 全作品の記事リンク


課題曲1「スケルツァンド」/江原大介 前編
 演奏者はツアーガイド/楽譜を読む、ということ(テンポ、リズム、音の高低)

課題曲1「スケルツァンド」/江原大介 後編
 合奏は演奏者全員の個性を持ち寄る場/音をブレンドする?

課題曲2「マーチ・シャイニング・ロード」/木内涼 前編
 パート譜について/行進曲という音楽について

課題曲2「マーチ・シャイニング・ロード」/木内涼 後編
 拍のウラから入るときの吹き方/テンポが走ってしまう原因/ユニゾンを合わせるために大切な3つのこと

課題曲3「インテルメッツォ」/保科洋 前編
 「うた」ってなんだろう/うたいかた

課題曲3「インテルメッツォ」/保科洋 前編
 自分の思う音楽を作り上げよう/指揮者との関係

課題曲4 マーチ「春風の通り道」/西山友宏 前編
 音の推進力/音量バランスを整える

課題曲4 マーチ「春風の通り道」/西山友宏 後編
 アーティキュレーションの表現方法/強弱のつけかた

課題曲5 メタモルフォーゼ 〜吹奏楽のために〜/川合清裕 前編
 現代曲ってなんだろう/楽譜とのジレンマ(異質なところを見つけよう)

課題曲5 メタモルフォーゼ 〜吹奏楽のために〜/川合清裕 後編
 楽譜の「見た目」から得られる印象


課題曲解説をまとめてご覧になる場合はカテゴリー「吹奏楽コンクール課題曲2017」からお入りください(こちらをクリック)

==============================

それでは、今週もチューニング、ピッチに関して進めてまいります。

《チューナーは使い方を考えて》
僕はブログやレッスンでチューナーをあまり使わない、という話をよくしていますが、これは決してチューナーの使用を否定しているわけではありません。
音楽をする上で安定したピッチは大切なことですし、その目に見えないものを可視化できるチューナーはとても便利なものです。

僕が否定的になっているのは、吹奏楽部の部員全員がチューナーを自分の前に置き、ピックアップマイクで自分の発するピッチを常に計測しているあの姿に対してです。

チューナーのスイッチをずっとONにしておいて、自分の発した音をすべて拾ってしまうと、意識はチューナーの画面に向けられてしまいます。そのときの結果が常に±0であればいいですが、普通はそんなことにはならず、ちょっとでも針が傾いてしまえば、まるでテストで×をつけられたような感覚になり、それではマズい、修正しようと体が無意識に反応してしまいます。

しかし、発した音というのはすでに投げてしまったボールのようなもの。飛び方がまっすぐでなかったからと、飛んでいる最中にああだこうだと方向を変化させることが現実で起こればそれは非常に不自然であり、実際に演奏ではあってはならないことです。
しかも音を出してからピッチを変化させようとするその体の使い方は、いわゆる奏法を不安定にさせてしまいます。

それが習慣になると、楽器を構える段階からすでに正しいピッチを出すことばかりを意識してしまい、本来の楽器を吹く目的、音楽をする目的を完全に見失った不自然な状態になり、調子を崩してしまいかねません。

何よりも、それは音楽ではありませんから、楽しいわけがありません。演奏していても、聴いていても。

そもそも、音楽をしているときに、奏者の意識がチューナーの表示に支配されると、相手の出している音などまったく耳に入らなくなります。音楽は人間同士が生み出すものであるはずなのに、そんな状態では作品を完成させることなど不可能です。


では、チューナーはどのように使うと効果的なのでしょうか。


[チューナーは確認をするもの]

ということです。

チューナーは、音を出したそれがどうだったか確認のために見るのです。

そして、そのときの結果がどうあれ、そのまま受け止めます。
この時点では良い悪いということはありません。

[理由と結果をリンクさせる]

次に、「そのときどういったアプローチで音を出したのか」

といった理由と結果をリンクさせる「研究」をします。
※これまあくまでも「研究」であり、安定したピッチで演奏するための準備段階です。研究の成果を実際の演奏に反映させる、という順序を踏むことはどんな技術に対しても重要なことです。

こんな吹き方、こんな構え方、こんな体のバランスで吹いた結果、ピッチがこうなった(こうなる傾向になりやすい)。といった感じ。

音を出す前にいろいろと考えておき、実践してみる。
そうした「研究」によって傾向が見えてくれば、自分の音を出すときのクセも見つけることができますし、結果を求めるだけのやみくもな吹きまくり時間はなくなり、効率良く成長につながります。


[ピッチに直接影響を与える部分を理解する]
では、実際にピッチに影響をあたえる部分を見つけてみましょう。以下をひとつずつ操作したりいろいろな変化をさせてみてください。

・アパチュア(口周辺)
・マウスピースの角度(楽器の構える角度)や支点、当てる位置
・楽器の角度
・舌の形
・舌の位置(上アゴや歯との位置関係)
・姿勢
・吸気量
・お腹(腹圧)
・肩や喉
・楽器の持ち方
・音に対するイメージ
・部屋やその部屋にあるもの
・演奏している曲、部分
・譜面台の位置や角度


また、

体調(睡眠、精神状態、ストレス、食事量、食事内容、疲労など)
ウォームアップ内容、ウォームアップにかけた時間

についても時間をかけて調べてみましょう。

上記の研究はピッチを安定させるために、まずは「変化する場所を理解する」段階ですから、強引にピッチを合わせにいくようなことは避け、素直に受け止めましょう。

これらの研究は、何をどう使うと良いとか悪いとか、そういうことではありません。こんなにも様々なことがピッチ変化に影響をあたえているのか!という発見をしてほしいのです。


《一番大切なこと》

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みなさんはボールを投げたことがあると思います。

投げたボールの飛び方や距離は後から修正できません。なぜなら、「投げる前にすべてが決まっているから」です。

ボールの持ち方やフォームなどの体の使い方で結果が変わります。

トランペットで安定したピッチを出すのもこれと同じで、「音を出す前にすべてが決まっている」ことをまず覚えておいてください。


[方法よりも大切なもの]
ボールを投げるときに無計画に投げることはあまりないと思います。
あまり意識したことはないと思いますが、実際にはバッターに向かって投げるとか、キャッチボールの相手に投げるとか、「ボールとってくださーい」と言われて投げ返してあげるとか、どんな場面でどうやってどのくらいの力で投げるのか、具体的なイメージを持ってから投げようとしています。

しかし我々はロボットではありませんから、目標に向かって腕の筋肉を何kgかけ、手首のスナップを何度から何度へ時速何kmのスピードで北北西12.5m先の…なんてことは考えませんし、考えられません。それなのにイメージは、それを現実のものにできる力を持っています。体のパーツをどう使っているのかなどわからないのに。

トランペットで安定したピッチを出すこともこれと同じで、まずは何よりもイメージが一番大切です。

しかもそのイメージは、正しいピッチを頭の中に浮かべるとか、声に出して歌えるとか、そういう直接的なことだけではありません。

「音色」「響き」「音量」「テンポ感」、メロディならば「フレーズ感」「アーティキュレーション」「うたいかた」「伝えたいメッセージ」など、音楽をする上で大切なものが、すべてピッチにも影響を与えます。

どちらかというと、そういった総合的なイメージの中に「ピッチ」も含まれている、と言ったほうが正しいでしょう。
素晴らしいイメージが強ければ強いほど、ピッチも安定してくるものです。

ということは、素晴らしいイメージができる知識や経験が必要になる、ということですね。

チューナーを前に置いて、その針がどこを指すかなど、素晴らしい音楽のイメージには含まれていません。
安定したピッチを得るために今、始めるべきこと、見えてきましたか?

コンクールで慌ただしい時期ではありますが、夏休み、いつもよりも時間がとれる方は、ピッチを安定させるための「素晴らしいイメージ」を育む研究をしてはいかがでしょうか。

それでは今週はここまで。
次回の記事では、実際に安定したピッチを鳴らすための方法を解説していきます。


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「ラッパの吹き方」ブログに関するご意見、トランペットに関するご質問、各種お問い合わせはこちらのメールフォームからお願い致します。

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at 07:17, 荻原明(おぎわらあきら), ピッチと音程

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音楽的なチューニングをするために大切なこと 3(音程とピッチの関係)

 >> 初めてこちらのブログにいらっしゃった方、最初にこちらをお読み下さい

みなさんこんにちは!

先日「note」というサービスに登録して、課題曲解説記事をこちらのブログから転載してみました。
まだ試験的ですが、今後は「ラッパの吹き方」を「note」に移行して続けるのはどうかな、と少し考えていまして。

いかがでしょうか。ぜひ一度ご覧になって、ご意見をいただければ幸いです。また、よろしければフォローもお願い致します。

ラッパの吹き方のnoteはこちらからご覧いただけます


さて、そろそろコンクール本番!という地域も増えてきているかと思います。心から音楽を楽しんで、その楽しい!という気持ちを聴いてくれる人たち(もちろん審査員も!)に届けてくださいね。

課題曲を演奏する方もそうでない方も、先日書き終えた課題曲解説をぜひご一読ください。合奏に関して参考になる内容です。


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吹奏楽コンクール課題曲トランペットパート解説2017 全作品の記事リンク


課題曲1「スケルツァンド」/江原大介 前編
 演奏者はツアーガイド/楽譜を読む、ということ(テンポ、リズム、音の高低)

課題曲1「スケルツァンド」/江原大介 後編
 合奏は演奏者全員の個性を持ち寄る場/音をブレンドする?

課題曲2「マーチ・シャイニング・ロード」/木内涼 前編
 パート譜について/行進曲という音楽について

課題曲2「マーチ・シャイニング・ロード」/木内涼 後編
 拍のウラから入るときの吹き方/テンポが走ってしまう原因/ユニゾンを合わせるために大切な3つのこと

課題曲3「インテルメッツォ」/保科洋 前編
 「うた」ってなんだろう/うたいかた

課題曲3「インテルメッツォ」/保科洋 前編
 自分の思う音楽を作り上げよう/指揮者との関係

課題曲4 マーチ「春風の通り道」/西山友宏 前編
 音の推進力/音量バランスを整える

課題曲4 マーチ「春風の通り道」/西山友宏 後編
 アーティキュレーションの表現方法/強弱のつけかた

課題曲5 メタモルフォーゼ 〜吹奏楽のために〜/川合清裕 前編
 現代曲ってなんだろう/楽譜とのジレンマ(異質なところを見つけよう)

課題曲5 メタモルフォーゼ 〜吹奏楽のために〜/川合清裕 後編
 楽譜の「見た目」から得られる印象


課題曲解説をまとめてご覧になる場合はカテゴリー「吹奏楽コンクール課題曲2017」からお入りください(こちらをクリック)

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現在、「チューニング」に関して様々な角度から解説をしております。
前回、前々回で音程とピッチについて触れましたので、今週はその2つがどのような関係になっているのか、書いていきます。


《音程は距離》



音程とは、2つの音の隔たりのことです。
これは例えていうなら、メジャーや定規で計測した距離のようなものと言えます。

どこにいようが、どこから測ろうが、10cmは10cm。5mは5m。距離は同じです。

ですから、その距離をしっかり確保し続けて進んでいれば、見ている人にとっては違和感を覚えません。

しかし、これが複数人だったらどうでしょうか。


[スタートラインを揃える]



みんなが5mを測って正確に進んでいたとしても、計測し始めた位置(最初の立ち位置)がバラバラだと揃っては見えません。
ですので、スタートラインを決めて、そこから全員計測する必要が出てきます。

これが音楽だと、「スタートライン=基準ピッチ」ということになるわけです。
基準ピッチについてはこちらの記事をご覧ください


《ピッチはスタートラインを決めるに留める》

スタートラインを決めて、みんながそこに揃って立っている状態になること、これが音楽で言うところの「チューニング」です。

上にある写真の陸上トラックのように明確なスタートラインが引いてあればいいのですが、音は目視で判断できません。そこでスタートラインを正確に確認するために「チューナー」という周波数測定器を用いるわけです。


スタートラインが決まり、全員が同じ立ち位置から一斉に○m進めば、○m先で横一列に揃っています。音楽で言うならこれはユニゾンで演奏している状態。スタートラインという基準ピッチが同じで、その先も全員が正確な距離をずっと保ち続けられれば(=正確な音程で演奏できれば)不安定な音程の演奏にはならない、というわけです。

しかし曲を演奏するのはこんなに単純ではありません。半音もあればオクターブもあり、各パート、各奏者に割り当てられたものが違いますから、テンポとリズムに合わせて次々と距離(音程)を変えながら進むことになります。

その複雑に連続する距離を、ずっと計測していきますか?計測し続けられますか?


[音程は書道のようなもの]

もしも頑張って与えられた楽譜の音程をひとつずつ計測し、正確な距離で演奏ができたとしても、それに何の価値があるでしょうか。

ずっとチューナーを見ながら演奏をしているというのは、そういうことを求めているようなものです。


僕はメロディは「書道」のようなものだと思っています。



書道ーー文字というのはいくつもの角(かく)が様々な角度や長さ、強さや速さの流れや動き、そしてそれらが連続して作られた「線の集合美」です。

書が美しいと感じるかの判断基準はもちろん人それぞれですが、そこには「バランス」の要素が強く関係しています。

太い筆で力強い流れを生み出したものも、細く繊細な線によって生まれたものも、それぞれがバランスよくなっていれば美しさを感じます。

そこには「第一角の距離は○cmでなければならない」とか「第一角と第二角のバランスは絶対に1:2である」とかそういう決まりはありません。

描いた人が感じている「美」の感覚によって生み出された「人間味」のある文字だからこそ、それに心を打たれ感動するわけです。

逆に、定規やコンパス、分度器などを駆使して、文字を書いてみたらどうなるでしょうか。
まるでそれは人間味なく、場合によっては脅迫状のような恐怖すら感じるものになってしまうと思うのです。

これが音楽、音程だったら…。イメージしてみてください。

前回の記事で書きましたが、人間がグッとくる音程感は「その音楽を感じ、心豊かにうたった人」から生まれてくるものです。正確な距離感を計測し続けるだけの機械的な作業だけで生まれた音程は、人の心に訴えかけることはできません。


[人間味あふれる技術の習得を]
もちろん、正確な音程を歌える技術やそれを楽器で演奏できる技術は必要です。しかし、それが最前面に位置していたり、それが全てを支配してしまうのは絶対に避けるべきです。

美しい音程感でうたえる技術もまた、人間味あふれる訓練や学習によって習得していくべきです。チューナーを見ているだけでは絶対に音程感は養えません。
大好きな歌を心からうたおうとする気持ち、楽譜を機械的ではなく「音楽」として捉える意識。そうした姿勢から生まれてくるものですから、とにかく、チューナーという機械に頼りすぎないことです!

チューナーばかり見ている人は、一旦機械のスイッチOFFにして、顔をあげて視界を広くとってみてください。そこにはあなたの音を響かせる空間が広がっています。同じ音楽を作り上げる仲間がたくさんいます。あなたの奏でる音楽を楽しみに待ってくれている人たちがたくさんいます
音楽はそうした人と人を繋げてくれるものであって、あなたはプログラミングされたロボットになるために楽器を演奏しているのではありません。

まずは音楽を楽しむこと!楽器の演奏を楽しむこと!

コンクールだろうが何だろうがこれは絶対に忘れてはいけません!


チューニングに関する話題は来週以降も続けますので引き続きおつきあいいただければ幸いです。
それでは!


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音楽的なチューニングをするために大切なこと 2(音程)

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みなさんこんにちは!

先にご報告を。
この度、「ラッパの吹き方」は広告非表示になりました!
これまでスマホで記事を読むのは広告のせいでかなりストレスのたまりましたが、あの動く広告がなくなったので、サクサク読めるようになっております。PCでもスマホでもご利用くださいませ!

では、本文へ。


吹奏楽コンクールに出場する方はだいぶ本格的な練習になってきたのではないでしょうか。
課題曲を演奏される方もそうでない方も、先日全曲掲載完了しました「吹奏楽コンクール課題曲トランペットパート解説2017」をぜひご覧ください。
それぞれの作品に関して、というよりも合奏の時に意識すべきことなど、どんな場面でも関係してくる重要な内容をちりばめています。

下記からダイレクトに記事をご覧いただけますのでぜひ!

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吹奏楽コンクール課題曲トランペットパート解説2017 全作品の記事リンク


課題曲1「スケルツァンド」/江原大介 前編
 演奏者はツアーガイド/楽譜を読む、ということ(テンポ、リズム、音の高低)

課題曲1「スケルツァンド」/江原大介 後編
 合奏は演奏者全員の個性を持ち寄る場/音をブレンドする?

課題曲2「マーチ・シャイニング・ロード」/木内涼 前編
 パート譜について/行進曲という音楽について

課題曲2「マーチ・シャイニング・ロード」/木内涼 後編
 拍のウラから入るときの吹き方/テンポが走ってしまう原因/ユニゾンを合わせるために大切な3つのこと

課題曲3「インテルメッツォ」/保科洋 前編
 「うた」ってなんだろう/うたいかた

課題曲3「インテルメッツォ」/保科洋 前編
 自分の思う音楽を作り上げよう/指揮者との関係

課題曲4 マーチ「春風の通り道」/西山友宏 前編
 音の推進力/音量バランスを整える

課題曲4 マーチ「春風の通り道」/西山友宏 後編
 アーティキュレーションの表現方法/強弱のつけかた

課題曲5 メタモルフォーゼ 〜吹奏楽のために〜/川合清裕 前編
 現代曲ってなんだろう/楽譜とのジレンマ(異質なところを見つけよう)

課題曲5 メタモルフォーゼ 〜吹奏楽のために〜/川合清裕 後編
 楽譜の「見た目」から得られる印象


課題曲解説をまとめてご覧になる場合はカテゴリー「吹奏楽コンクール課題曲2017」からお入りください(こちらをクリック)

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さて、前回より「チューニング」について書いております。

前回は「ピッチ」について詳しく書きました。ご覧になっていない方はぜひそちらからお読みください

そして、今回は「音程」についてです。


《混同されやすい「ピッチ」と「音程」》
「音程が良い/悪い」なんて表現をよく耳にしますが、音程とは具体的にどういった意味かご存知でしょうか。

ピッチは1つの音に対して、その音の周波数が何であるかを指すのに対し、音程とは「2つの音の隔たり(距離)」という意味で使われます。

そして、日本では音程の単位を「度」を用いて表します。

例えば、

「ド」の音と同じ高さの「ド」は「1度」
「ド」と隣の「レ」は「2度」
「ド」と「ソ」は「5度」
「ド」と1オクターブ上の「ド」は「8度」

といった具合です。

一例


また、音にはシャープやフラットが付くことで、同じ音でもいくつもの種類がありますね。
それらを差別化するために度数の前に「長(ちょう)」「短(たん)」「増(ぞう)」「減(げん)」「完全」などの漢字を付けて明確にします。

一例


長や短などは度数によって使われ方が違い、以下のようになります。


1度、4度、5度、8度は「…減---完全---増…」

2度、3度、6度、7度は「…減---短---長---増…」


これ以上詳しく知りたい方は、「楽典」という音楽理論の教科書がありますので、そちらをご覧になってください。


《音程の持つ個性》
ここまでは何だか音楽の授業みたいで面白くありませんね。知ったからどうだっていうの?という疑問すら感じてしまいかねません。

確かに、それぞれの音程を理解しただけではあまり実用的ではありませんが、こういう考え方はいかがでしょうか。


「音程には個性やカラーがある」


今からお話しする内容は、とても個人的で主観的なイメージが含まれているので、無理に共感されなくて結構です。考え方だけ受け止めてください。

[音程が印象を決めている]
何かのメロディを聴いて、グッときたことありませんか?
何度聴いても「良い!」と思えるメロディはありますか?

それはもしかして、メロディの持つ音程が好みなのかもしれません。

音程によって印象は大きく変わります。それでは、いくつか聴いてみましょう。


[8度(1オクターブ)]
8度は「1オクターブ」とも呼びます。周波数的には倍の関係にあるため、非常に仲が良く調和しやすい音程です。

8度音程は「澄んでいる音」「シンプルで強い」「雄大に広がる」そんな印象を持っています(主観です)。

例えばこんな曲はいかがでしょうか。



Time to Say Goodbyeという曲。ご存知の方も多いと思います。このAメロ部分だけ楽譜に起こしてみました。上記の映像では1分10秒あたりからです。



この曲は何と言ってもAメロ7小節目にある8度の跳躍です。その部分以外は結構なだらかで落ち着いた音程感なだけに、突然8度飛ぶインパクトの強さがこの作品を強く印象づけているように感じます。


8度のメロディは他にもいろいろあります。例えば、ディズニーの「ピノキオ」で使われている「星に願いを」。



メロディの最初いきなり8度です(0分25秒あたりから)。


「オズの魔法使い」で使われた「虹の彼方に」。



これも歌い出しが8度です。

このように8度音程は広々としていて澄んだ印象や決然とした強い意志のようなものを感じます(主観です)。


[6度]
僕は個人的にこの6度の跳躍が好きなようです。なんだかグッとくるメロディは6度が多いので、紹介します。



アイルランドの民謡「ロンドンデリーの歌」です。ほとんどの部分が2度の音程で作られているのに、一番盛り上がるところでいきなり6度上に飛ぶところが印象的です。以下の譜例はこの映像の1分3秒くらいからです。



このユーフォの方、素敵な音ですね。ユーフォって良いですね。




若い方はご存知ないかもしれませんが、さだまさしさんが歌われた「北の国から」という作品です。同名のテレビドラマが人気でした。

このメロディの歌い出しが6度です。






美空ひばりさんの名曲「川の流れのように」です。

本当に美しい曲だと思っていたら、この作品のサビに入る部分が6度なんですね(1分30秒あたり)。



6度の音程は、ちょっと切ないけど勇気をもって力強く響く音程のように感じます(しつこいようですが、主観です)。


[他の音程]
全部の音程について書いていると大変なので割愛しますが、例えば2度は音階を演奏しているときと同じなので、調性を感じやすいことが多く、安定感があります。ベートーヴェン作曲交響曲第9番、いわゆる「第九」のあの有名なメロディはほとんど2度でできていますね。そしてまさかの「カエルの合唱」も第九と同じ2度ばかり。

みなさんも好きなメロディやグッとくる音楽がどんな音程で作られているのかをぜひ調べてみてください。


《音程を感じた演奏を》
わたしたち吹奏楽やオーケストラなどを演奏している者は、ほとんどの場合「楽譜→演奏」の構図で音楽をしています。

ですので、楽譜に書かれている広い音程に対して、どうしても「跳躍」とか「インターバル」などと呼び、機械的、理論的な捉え方をしてしまいがちです。そのため、一生懸命コントロールをしたり、パワーで上の音に届かせようとしてしまいがちです。場合によっては「音、外しそう…」とかネガティブになったりもしますね。

しかし今回のように、まず音楽としてメロディを感じたとき、音程が広いからどうだこうだなどと理論的なことは考えておらず、もっとシンプルに「素敵なメロディだなあ」と「うた」としてまずは捉えています。

楽譜は、音楽を正確に記録した便利なツールですが、演奏者が楽譜を読むことに意識を支配されて、一番大切な「音楽」を見失ってしまうようには決してなりたくありません

そうならないためにも、楽器のコントロールの話よりも前に、その音楽を感じ、心豊かに歌ってみてください。気持ちよく歌えたら、それをそのまま楽器で歌ってみましょう。音がどのくらい飛ぶとか、外しそうとか、そういうことを凌駕した演奏になれるはずです。

ということで今回は「音程」について書きました。
次回は前回と今回でお話したピッチと音程の関係についてお話していきます。

それではまた来週!


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at 06:24, 荻原明(おぎわらあきら), ピッチと音程

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音楽的なチューニングをするために大切なこと 1(ピッチ)

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みなさんこんにちは!
吹奏楽コンクールに出場する方はだいぶ本格的な練習になってきたのではないでしょうか。
課題曲を演奏される方もそうでない方も、先日全曲掲載完了しました「吹奏楽コンクール課題曲トランペットパート解説2017」をぜひご覧ください。
それぞれの作品に関して、というよりも合奏の時に意識すべきことなど、どんな場面でも関係してくる重要な内容をちりばめています。

下記からダイレクトに記事をご覧いただけますのでぜひご覧ください!

==============================
吹奏楽コンクール課題曲トランペットパート解説2017 全作品の記事リンク


課題曲1「スケルツァンド」/江原大介 前編
 演奏者はツアーガイド/楽譜を読む、ということ(テンポ、リズム、音の高低)

課題曲1「スケルツァンド」/江原大介 後編
 合奏は演奏者全員の個性を持ち寄る場/音をブレンドする?

課題曲2「マーチ・シャイニング・ロード」/木内涼 前編
 パート譜について/行進曲という音楽について

課題曲2「マーチ・シャイニング・ロード」/木内涼 後編
 拍のウラから入るときの吹き方/テンポが走ってしまう原因/ユニゾンを合わせるために大切な3つのこと

課題曲3「インテルメッツォ」/保科洋 前編
 「うた」ってなんだろう/うたいかた

課題曲3「インテルメッツォ」/保科洋 前編
 自分の思う音楽を作り上げよう/指揮者との関係

課題曲4 マーチ「春風の通り道」/西山友宏 前編
 音の推進力/音量バランスを整える

課題曲4 マーチ「春風の通り道」/西山友宏 後編
 アーティキュレーションの表現方法/強弱のつけかた

課題曲5 メタモルフォーゼ 〜吹奏楽のために〜/川合清裕 前編
 現代曲ってなんだろう/楽譜とのジレンマ(異質なところを見つけよう)

課題曲5 メタモルフォーゼ 〜吹奏楽のために〜/川合清裕 後編
 楽譜の「見た目」から得られる印象


課題曲解説をまとめてご覧になる場合はカテゴリー「吹奏楽コンクール課題曲2017」からお入りください(こちらをクリック)

==============================


《チューニング》



他の楽器と一緒に演奏するとき、まず「チューニング」をしますよね。

例えばオーケストラのコンサートのときは、指揮者が入ってくる前にオーボエ奏者がAの音をのばすと、コンサートマスター(ヴァイオリン)が音の高さを合わせ、それをもとに全員が調整する、という時間が必ずあります。

ところであれ、しないとマズいんでしょうか?コンサートなんだから、いきなり曲を演奏し始めてもらったほうが良くないですか?

「そうもいかないでしょ!」と思った方、それはなぜですか?
チューニングをしないとどうなってしまうのでしょうか。

説明できる方もそうでない方も、今一度チューニングに関して考えてみましょう。
特に今回からの記事ではより「音楽的」な観点からのチューニングをするためにはどうすれば良いかを中心に書いていきます。


[ピアノと管弦楽器のチューニング事情]
音楽室でも見かけるピアノ。ピアノは鍵盤ひとつひとつに弦が張ってあって、それぞれの音の高さを生み出しています。
しかし、音の高さはずっと同じではいられません。時間の経過とともに弦の張力が少しずつ変化することで音の高さが不安定になってくるので、定期的に専門の調律師さんを呼び、調律をしてもらいます。
そうしたケアにより、それぞれの鍵盤に定められた音の高さをキープしていられるわけです。

そんなピアノはひとりの奏者が88個ある鍵盤を操り、ひとりで作品を完成させることができますが、私たち管楽器や弦楽器は、基本1人1音しか出せませんし、ましてやピアノのように広い音域をひとりでカバーできませんから、必然的に複数で集まって作品を完成させることが多くなります。

管楽器や弦楽器はピアノと違って、数ヶ月に一度の調律だけで同じ高さの音が出る、というわけにはいきませんね。ですから、みんなで演奏する直前に音の高さを調整することになるわけです。

しかし、調整すると言っても、「基準」がないといけませんから、オーケストラの場合はオーボエが基準になるAの音を出し、それをヴァイオリンのトップが受けて調整し、それを元に全員が合わせていく、という順序を取っているのです。

したがって、管弦楽器にとってのチューニングとは「(これから演奏する際の)基準の音の高さを確認し、調整」することを意味します。


《「ピッチ」と「音程」》
チューニングや音の高さの話になると必ず出てくるのが

「ピッチ」

そして

「音程」

という2つのワード。


それではみなさん、「ピッチ」と「音程」、それぞれの意味を答えられますか?

話を聞いていると、混同している方も多くいらっしゃるように感じますが、この2つはまったく違う意味を持っていますので、覚えてしまいましょう。


[ピッチとは]



ピッチとは「周波数」のことです。

周波数とは、1秒間に空気を何回振動させたかを数値化したもので、単位はHz(ヘルツ)です。

チューニングの際に「440」とか「442」とか数字を聞いたことがありませんか?
まさにそれが周波数です。


例えば、1秒間に空気を440回振動させると、人間の耳にはA(アー)の音が聴こえます。
(440Hzで聞こえてくる音をA(アー)と名付けた、と言ったほうが正しいかもしれません)

440Hzよりほんの少しずれた442Hzでも445Hzでも音楽的にはAの音ですが、周波数が増えると音が高く聴こえます。よって、440Hzと445HzのA音が一緒に発生すると、音がうねり、とても気持ち悪い響きに感じます。

このように耳ではある程度の音の高低は聞き分けることができますが、正確な数値を聞いただけで導き出すことはほぼ不可能です。そこで周波数を可視化するために用いるのが「チューナー」という機器です。

ちなみに、なぜA音=440Hzが基準ピッチになったのかと言いますと、今から80年ほど前に国際的に決められたのです。ただ、世界中でこのピッチで演奏しなければならないと決められているわけではありませんので、最近では442Hzとか443Hzなどを基準ピッチにしているところが一般的ですし、ウィーンフィルでは445Hzを基準ピッチにしているそうです。
基準ピッチが高いほうが同じ音楽でも現代的というか、明瞭でシャープな印象を与える印象を持っているように感じます。

ちなみに400年ほど前のバロック音楽では、今よりも基準ピッチが相当低く、当時の楽器を再現したいわゆる「古楽器」での演奏は、楽譜よりも半音ほど低く聴こえます。そう考えると、100年後には基準ピッチが450Hzになっていてもおかしくありませんね。


[オーボエだけがチューナーを見ている]
絶対そうだとは言い切れませんが、オーケストラの演奏直前のチューニングでは、正確なピッチを示すお仕事をするオーボエ奏者1人だけがチューナを見て吹いています。他の人は「耳」を頼りに音を合わせているのであって、各自がチューナーを見て個人個人で勝手に合わせている時間ではないのです。



[管楽器のチューニングは不安定?]
実際に演奏されているみなさんならすでにおわかりの通り、チューニングスライドなどの管を抜き差ししただけでピッチが完全に合うか、というとそうではありませんね。
セッティングや体の使い方、音域や特定の音、頭の中にある音のイメージの有無(強さ)によって実に様々にピッチが変化します。

中でも、金管楽器に関してはピッチがかなり自由に上下できる…と言ってしまえば聞こえが良いですが、言い換えればこんなに不安定な楽器も他にないのでは、と思います。

だからと言って「だって金管はピッチが不安定なんだもん!しょうがないじゃん!どうせピッチ悪いですよー」と開き直るわけにもいきません。

そこで、周りの奏者に迷惑をかけてしまわないよう安定したピッチで演奏するためにはどうしたら良いか、何を心がければよいかを、数回にわけてお話ししたいと思います。


ということで、今回は「ピッチ」について解説しました。

今回お話できなかったもうひとつのキーワード、「音程」については次回詳しく解説します。
それではまた来週!


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チューニングスライドをたくさん抜く方へ 2

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次回更新より開催!詳細はこちらの記事をご覧ください。




みなさんこんにちは!
前回に引き続き、「チューニングスライドを沢山抜いてしまう方へ」の後編です。(前回記事はこちらから

トランペットをはじめとした管楽器、特に金管楽器は、楽器の調整をしたことで安定したピッチを得ることが難しく、様々な角度から考えていく必要があります。
前回の記事では、なぜチューニングスライドをたくさん抜いてもピッチが下がらないのかについて、良くない歯車の噛み合わせを解説しました。

今回は、ピッチを安定させるための吹き方について考えてみます。



【ツボに当てる】
トランペットのピッチを安定させるために不可欠なのが「ツボに当てる」ということです。

音のツボというのはこのブログでも何度も出てきていますが、それぞれの楽器が持っている「本来そこに当てて吹くべきポイント」を指しています。

ある程度信頼できる品質の楽器であれば(ネットや新聞広告などで見かける2,3万くらいのどこだかわからないメーカーのものでなければ)ほとんどの場合、きちんとしたピッチで演奏することができるはずです。

というのも、楽器製造メーカーとしてはできるだけ良い音、正確なピッチで音が出るように設計し、商品化しようと努力をされているのが当然で、もし粗悪品なんて作ったら誰も買ってくれずに最後には潰れてしまいますからね。
ですから、それを信じてまずは楽器が備えているツボを見つけ、当てることが先決です。

楽器のツボに当てるために一番大切なことは、「楽器のジャマをしない」ということ。
言い換えるなら、自分のからだだけで楽器を鳴らそうとコントロールしない、ということです。

前回の記事で、「口周辺や唇に必要以上の力を込めている状態」でセルフバズィングをしてしまうと、体の様々なところに必要以上の負担がかかり、それだけで音がこもってしまうと書きました。これについては前回の記事をご覧ください(こちらから進めます)。


【アパチュアは穴である】
セルフバズィングは僕の考え方からすると正しい吹き方ではありません。

トランペットは、腹筋などで高まった体内の空気圧と、それが流れ出た先にあるマウスピースや楽器の持っている抵抗感(=跳ね返りの圧力:楽器の管は狭いのですべての空気が一方向に流れるわけではありません)とのバランスが保たれたとき、その間に存在しているアパチュアが振動し始めるのが音の出る正しい原理です。

よって、アパチュアは常に開き続けている「穴」である、ということ。そしてその状態をキープできるセッティングが大切なのです(唇の貼り付きと口周辺やアゴ、舌の柔軟性が大切)。

空気の通り穴であるアパチュア部分の自然な振動は、信じられないくらい負担がありません。


【ツボに当たった響きを感じ取る】
アパチュアは単に唇が振動する空気の通り穴で、負担ないアパチュアからは、とても明るく、そして響きの強い音が出ます。
あたかもベルから一方的に出ている音ではなく、空間全体が響きに包まれているような、耳に音圧を感じる状態です。

それがツボに当たっている状態です。

アパチュアの担当している最大の仕事はこの響き(そのトランペットの持っている音)を発生させることであり、それだけでほぼ手一杯なので、他のことではできるだけ負担をかけさせたくない部分でもあります。

よって、ピッチコントロールという大仕事をアパチュアに求めてはいけません。


[ツボに当たった響きを見つける方法]
ピッチ(周波数)が高い低いはひとまず置いておくことにして、負担なく音が出ているかを優先します。

響きの強い音かどうかは、少し強めに吹いたほうがそれがよくわかると思いますので、しばらくは大きめの音量(しかし力を不必要に込める必要はありません。自然に大きく響きます)で積極的に吹いてみましょう。

Bb管であれば五線内のF音(ソ)や下のBb(ド)など、ひとつの音を決めて出してみます。

負担のないアパチュアと言っても、ユルユルでだらしない口周辺では良い音は出ません。どの程度負担をかけるとベストなのかを見つけるために、ほんの少し力をかけてみたり、逆に力を抜いてみたり、セッティングから何度もやり直してみるなどの微調整を繰り返してみましょう。

この微調整の最中は、若干のピッチ上下※とともに楽器の鳴り方が変化し、その中でひときわ大きく響くポイントがあります。そこがその音のツボです。
(※アパチュアサイズが変わればピッチ変化が自然に起こるため。しかしこれでピッチ調整しているわけではないので注意)

一回ツボを見つけることができれば、その後はあまり苦労せずに見つけることができると思います。

まずはこの一連の作業ができるか、です。
できるようになったら、半音ずつ上下したり、近い倍音をリップスラーで移動するなどして、音のツボに当たり続けられる実験をしてみましょう。


【それぞれの担当部署と仕事を理解する】
ツボが見つかったら、試しにその音を出している最中からチューナーをONにし、ピッチを確認してみましょう。
ピッチが合っていない可能性があります。しかしそれで問題ありません。

注意してほしいのは、チューナーの針を見ると、瞬間的に口先でピッチをコントロールしてしまうことです。これをすると振り出しに戻ってしまいます。

楽器の持っている響きを見つける部署がアパチュアだとするならば、ピッチを調整する部署は「口の中=舌とアゴ」の位置と形状変化です。

これらの役割分担ができるようになると響きのある正しいピッチが出せる、というわけです。


詳しく言うと、口の中も音色を作り出す大切なところではありますが、その話はここでは割愛します。
また、本当のツボに当たった音は、同時にピッチも正しく鳴りますので、口の中の微調整との連携で初めて本当の意味でツボに当たった、と言えます。
まずは何よりもツボに当てた音と、そうでない音がアパチュアや口周辺の負担でどのくらい変わるかを感じて欲しいと思います。


前回の記事での歯車の噛み合わせと、今回のアパチュアについてを理解した上で実験と研究を繰り返してみてください。


【楽器によってチューニング事情は違う】
ピアノは定期的に調律をして、各鍵盤のピッチを安定させます。
弦楽器は演奏前や演奏中に各弦のピッチを安定させます。

しかし、トランペットなどの管楽器はこれまで書いてきたように自分の演奏の仕方でピッチが大きく変化するので、オーケストラなどで演奏前に行うチューニングは「調整」ではなく「確認」です。よって、弦楽器奏者は調整するのである程度時間がかかりますが、管は音を確認するだけで充分なのです。

チューニングスライドをどれだけ抜いてもピッチが上ずってしまう奏法がある一方で、チューニングスライドをほとんど操作しなくとも安定したピッチで演奏し続けられる方法がある、ということをぜひ覚えておいてください。


【本当にダメな楽器は存在するのか】
楽器の試奏をした時にパラパラと吹いて「これ、ダメな楽器」と言い捨ててしまう人を見たことが何度かあります。しかもそういった方は1,2本ではなく、ほとんど全部にダメダメ言っていることが多いのです。

しかし本当にそんなにダメな楽器があるのでしょうか。

僕はその人の「ダメ」と言っている言葉の裏にはこんな声が潜んでいるように感じます。

「これ、俺の言うことを聞いてくれない」

自分の楽器を選ぶのだったら、それでもまだ良いかもしれません。
しかし、楽器がダメって、どうなのかな?と疑問を持ちます。


先ほども書いたように、楽器にはそれぞれ音のツボがありますから、それぞれの楽器のツボに当てるには、自分自身がコントロールして見つけなければならないのです。

楽器の中にはたいしてコントロールせずともツボに当たってくれる楽器もあれば、ちょっと工夫しないとツボに当たらない楽器もありますが、それらはあくまでも「個人的な問題」であり、その楽器の良し悪しとは無関係です。

ツボに当たったときに、その楽器の本来の持つ響き(音色)やコンセプトが見えてきて、どんな楽器もそれぞれとても良い響きを出すことに気づきます。
やはり職人さんやメーカーはそれぞれの考えで本気で楽器を作っているんだなあと感じることも多いです。


ダメな楽器って、本当に少ないと思います。
どちらかと言うとその先、使い方(吹き方)が良くないとどんどんダメな楽器になります。
例えるなら、洋服の本来用意されていた袖ではないところに腕を通し続けて、穴が2つできてしまっているような楽器です。
よって、中古楽器の中にはツボが乱れに乱れているものがあるので購入の際には注意が必要です。


【不毛なチューニング儀式】
僕が中学生の頃、合奏前のチューニングに1時間かけていました。

指揮台の横に設置されたキーボードで(しかもアンプを接続して大音響で)Bb音を延々と出し続け、チューナー片手にフルートからひとりずつピッチ確認をしていく、という儀式を毎回執り行っていました。

ひとりひとりがピッチが合うまでチューニングし続け、周りの人たちは順番がくるのをただじっと待つだけの不毛な時間でした。

ピッチに対して異常なまでに固執している吹奏楽団体がとても多いと感じます。それは決して悪いことでありませんが、「ピッチが合わないからピッチを合わす!」というあまりに安直な発想では解決しません。僕が中学生のときに「毎回1時間」チューニングしていたことでも立証されています。これは解決を導くための方法ではないのです。

したがって、まずは個人個人が楽器本来の響きで演奏できる技術を得るための実験と研究を積み重ねていくことが重要なのです。


【間違った純正律の解釈】
また、余談ですが、練習中によく純正律がどうこうと(この音は第三音だから低めに、etc.)話題に出す方もいらっしゃいます。音楽理論、物理学的、人間が美しいと感じる周波数であることは確かですから、発想は間違っていません。しかし、美しい天守閣を建てるためには、まず地面を固め、石垣をしっかりと積むことが絶対に必要であるように、純正律とか平均律の話をする前に「各自がきちんとしたピッチで音を出す技術を持っていること」が前提です。

音のツボに当たらずに、楽器が鳴っていない状態で人工的に操作してピッチコントロールをしても美しいハーモニーは生まれません。
本当に美しいハーモニーを求めるためには順序が必要です。目先の方法論だけでなんとかしても結果は出ません。


各自が音のツボに当てられる
 ↓
各自が正しいピッチで演奏できる
 ↓
各自が純正律の響きを感覚的に理解する(自然と純正律の響きを求めようとする意思)
 ↓
集まってアンサンブル


この積み重ねがないと結局「ミの音は低くして」とツボから逸脱した状態でピッチをずり下げてしまうわけですから、美しいハーモニーは得られません。


ということで「チューニングスライドをたくさん抜く方へ」と題して2回に渡って書いてみました。

楽器のツボを見つけること、まずはこれを目指して研究と実験を繰り返してください。


そして、次回からは予告していた通り「吹奏楽コンクール課題曲トランペットパート解説2017」を開始します!
これまでの課題曲解説のパターンのように、課題曲を演奏する人だけが理解できる方法では極力掲載せず、今まで通りすべてのトランペット奏者さんに何かしら参考になるであろうい内容を書いていきますので、引き続きご覧いただければ幸いです。

それでは、また来週!


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